Cannes 2022 - Mark Jenkin, réalisateur de "Enys Men" : "Un film qui serait ressenti avant d’être compris"
Date de publication : 20/05/2022 - 09:30
Présenté à la Quinzaine des réalisateurs, ce second long métrage de son auteur a été tourné en 16 mm et sans aucune prise de son, tout l’univers sonore étant recréé en postproduction.
Enys men s’inscrit-il dans la continuité de votre précédent film Bait ?
Oui et non. Je voulais que la suite de Bait soit un film d'une ampleur similaire, car il me semblait important de garder le plus de contrôle possible sur ce que je ferais ensuite. Il était essentiel que toutes les décisions créatives nous reviennent, à moi et au producteur Denzil Monk, plutôt que de prendre trop d'avance. Bait m'avait prouvé ce qu'il était possible de réaliser avec des ressources limitées et je tenais à renforcer et à développer cette idée. Pour aller plus loin, mais sans trop me répéter en termes de contenu. Il est évident qu'Enys Men est réalisé avec ma voix et mon style particulier de réalisation, mais il y a des différences notables. La plus évidente est que c'est un film en couleur. Quelques commentateurs ont dit que, par moments, Bait donnait l'impression de basculer dans le domaine de l'horreur, et ces commentaires m'ont intrigué. J'ai décidé d'écrire un scénario d'horreur, et mon point de départ était une pierre dressée sur une île. C'était une image que j'avais en tête depuis de nombreuses années. Quand je l'ai relu, j'ai réalisé qu'il y avait très peu d'horreur dans le contenu. De la même manière que si quelqu'un lisait le scénario de Bait, il ne dirait jamais que c'est un film d'horreur. Je me suis rendu compte que l'horreur, ou ce qui suggère une horreur imminente, un sentiment d'effroi et de pressentiment, vient de la forme. C'est, je pense, la raison pour laquelle Bait peut parfois ressembler à un film d'horreur ; c'est la manière spécifique dont le film est construit. Le mariage quelque peu malaisé du son et de l'image et la représentation non linéaire du temps. Cela dit, bien que l'histoire de Bait soit très simple, il s'agit toujours d'un film à la narration linéaire. Avec Enys Men, je voulais subvertir l'idée de narration et faire en sorte que l'histoire soit moins importante que l'atmosphère. Il s'agirait davantage d'une question d'ambiance. Un film qui serait ressenti avant d'être compris. Je suis toujours autant excité par toutes les possibilités du cinéma que je l'étais la première fois que j'ai pris une caméra, que j'ai monté deux plans ensemble ou que j'ai ajouté du son à une image. Trouver de nouvelles façons de manipuler l'espace et le temps à l'écran est ce qui me motive. Avec Bait, je l'ai fait dans la lâche tradition des drames cuisinés, mais avec Enys Men, je voulais moins compter sur les dialogues pour communiquer la pensée et l'action, pour exploiter, ce que seul le cinéma peut faire, le potentiel infini de la dislocation temporelle et géographique et l'invocation de l'état de rêve. C'était mon intention, mais en fin de compte, ce n'est qu'après coup que l'on apprend ce que l'on a fait, par l'intermédiaire du public.
Oui et non. Je voulais que la suite de Bait soit un film d'une ampleur similaire, car il me semblait important de garder le plus de contrôle possible sur ce que je ferais ensuite. Il était essentiel que toutes les décisions créatives nous reviennent, à moi et au producteur Denzil Monk, plutôt que de prendre trop d'avance. Bait m'avait prouvé ce qu'il était possible de réaliser avec des ressources limitées et je tenais à renforcer et à développer cette idée. Pour aller plus loin, mais sans trop me répéter en termes de contenu. Il est évident qu'Enys Men est réalisé avec ma voix et mon style particulier de réalisation, mais il y a des différences notables. La plus évidente est que c'est un film en couleur. Quelques commentateurs ont dit que, par moments, Bait donnait l'impression de basculer dans le domaine de l'horreur, et ces commentaires m'ont intrigué. J'ai décidé d'écrire un scénario d'horreur, et mon point de départ était une pierre dressée sur une île. C'était une image que j'avais en tête depuis de nombreuses années. Quand je l'ai relu, j'ai réalisé qu'il y avait très peu d'horreur dans le contenu. De la même manière que si quelqu'un lisait le scénario de Bait, il ne dirait jamais que c'est un film d'horreur. Je me suis rendu compte que l'horreur, ou ce qui suggère une horreur imminente, un sentiment d'effroi et de pressentiment, vient de la forme. C'est, je pense, la raison pour laquelle Bait peut parfois ressembler à un film d'horreur ; c'est la manière spécifique dont le film est construit. Le mariage quelque peu malaisé du son et de l'image et la représentation non linéaire du temps. Cela dit, bien que l'histoire de Bait soit très simple, il s'agit toujours d'un film à la narration linéaire. Avec Enys Men, je voulais subvertir l'idée de narration et faire en sorte que l'histoire soit moins importante que l'atmosphère. Il s'agirait davantage d'une question d'ambiance. Un film qui serait ressenti avant d'être compris. Je suis toujours autant excité par toutes les possibilités du cinéma que je l'étais la première fois que j'ai pris une caméra, que j'ai monté deux plans ensemble ou que j'ai ajouté du son à une image. Trouver de nouvelles façons de manipuler l'espace et le temps à l'écran est ce qui me motive. Avec Bait, je l'ai fait dans la lâche tradition des drames cuisinés, mais avec Enys Men, je voulais moins compter sur les dialogues pour communiquer la pensée et l'action, pour exploiter, ce que seul le cinéma peut faire, le potentiel infini de la dislocation temporelle et géographique et l'invocation de l'état de rêve. C'était mon intention, mais en fin de compte, ce n'est qu'après coup que l'on apprend ce que l'on a fait, par l'intermédiaire du public.
Comment présenteriez-vous le film en quelques mots ?
Je suis réticent à présenter le film avec des mots. J'aimerais pouvoir le faire, mais la vérité est que si je pouvais exprimer clairement mes idées avec des mots, je ne me donnerais pas la peine de faire des films. Je l'ai appelé "Lost Cornish Folk Horror". Un film de l'extrême perdu dans le temps.
Je suis réticent à présenter le film avec des mots. J'aimerais pouvoir le faire, mais la vérité est que si je pouvais exprimer clairement mes idées avec des mots, je ne me donnerais pas la peine de faire des films. Je l'ai appelé "Lost Cornish Folk Horror". Un film de l'extrême perdu dans le temps.
Comment avez-vous construit le scénario ?
La première version a été écrite en trois nuits. J'écris avec un crayon et du papier et je le fais de manière très grossière et simple. Ce scénario a été particulièrement rapide car je savais qu'il y aurait très peu de dialogues. J'aime écrire de manière réactive. Écrire, c'est réécrire, comme on dit, et je trouve qu'il est beaucoup plus facile de travailler sur les versions suivantes lorsqu'il y a quelque chose à quoi réagir. La création du premier jet est très difficile pour moi. J'ai du mal à me lancer et je souffre d'une véritable inertie. Je pense que la raison pour laquelle cette première version est venue si vite est que je réagissais déjà à quelque chose. Le concept initial du film a été imaginé par moi-même et un autre scénariste (Adrain Bailey). Nous sommes arrivés à une prémisse et Adrian est parti écrire un court traitement. Il était excellent, mais après l'avoir lu, j'ai rapidement su que je voulais aller dans une direction très différente pour le film. D'une certaine manière, même s'il s'agissait d'un premier jet, j'étais déjà en train de réécrire quelque chose. Je réagissais à une idée plutôt que d'essayer de commencer quelque chose à partir de zéro, ce qui m'a permis de me lancer plus facilement. Le plus difficile a été d'établir une logique interne au monde créé et de s'y tenir. C'est ce qui a motivé la plupart des versions suivantes. Les versions ultérieures ont été affinées en fonction du casting et des lieux de tournage. Le processus d'écriture s'est poursuivi pendant le tournage et a été un processus de simplification. Comment simplifier quelque chose pour devancer le calendrier, la lumière ou les niveaux d'énergie décroissants de l'équipe ? La réécriture la plus importante intervient toujours au moment du montage, lorsque le scénario est jeté et qu'un nouveau film est construit à partir de ce qui a été capturé sur le négatif du tournage. La fin d'Enys Men est très différente de ce qui était écrit sur le papier ou de ce qui a été tourné sur place. Le montage change toujours tout.
Comment avez-vous choisi vos acteurs ? Sur quelle base ?
Comme je l'ai déjà dit, je tenais à travailler avec la même petite équipe créative que pour Bait, et cela s'étendait à la distribution. Après le succès de Bait, j'ai été contacté par de nombreux acteurs qui ont exprimé leur intérêt pour une collaboration mais, et cela m'a pris un peu de temps pour m'en rendre compte, il m'est apparu clairement que j'avais écrit le rôle principal de La Volontaire pour Mary Woodvine, qui avait joué dans Bait. Une fois ce rôle distribué, il m'a semblé évident de confier le rôle secondaire du Passeur à Edward Rowe (qui tenait le rôle principal dans Bait) aux côtés de Mary. Ce sont des amis très proches et ils travaillent brillamment ensemble. Ils comprennent vraiment ce que l'autre représente et complètent leur style d'interprétation et leur approche. Je savais que la continuité et la familiarité m'aideraient vraiment, surtout que j'explorais un nouveau genre. John Woodvine (le père de Mary) est bien connu pour Le loup-garou de Londres, c'était donc un bon rappel. C'était un honneur et un plaisir d'avoir John sur le plateau. Nous avons tourné ses scènes le dernier jour des prises de vue principales et cela a été très utile pour que tout le monde reste concentré jusqu'au moment où nous avons terminé le tournage.
La première version a été écrite en trois nuits. J'écris avec un crayon et du papier et je le fais de manière très grossière et simple. Ce scénario a été particulièrement rapide car je savais qu'il y aurait très peu de dialogues. J'aime écrire de manière réactive. Écrire, c'est réécrire, comme on dit, et je trouve qu'il est beaucoup plus facile de travailler sur les versions suivantes lorsqu'il y a quelque chose à quoi réagir. La création du premier jet est très difficile pour moi. J'ai du mal à me lancer et je souffre d'une véritable inertie. Je pense que la raison pour laquelle cette première version est venue si vite est que je réagissais déjà à quelque chose. Le concept initial du film a été imaginé par moi-même et un autre scénariste (Adrain Bailey). Nous sommes arrivés à une prémisse et Adrian est parti écrire un court traitement. Il était excellent, mais après l'avoir lu, j'ai rapidement su que je voulais aller dans une direction très différente pour le film. D'une certaine manière, même s'il s'agissait d'un premier jet, j'étais déjà en train de réécrire quelque chose. Je réagissais à une idée plutôt que d'essayer de commencer quelque chose à partir de zéro, ce qui m'a permis de me lancer plus facilement. Le plus difficile a été d'établir une logique interne au monde créé et de s'y tenir. C'est ce qui a motivé la plupart des versions suivantes. Les versions ultérieures ont été affinées en fonction du casting et des lieux de tournage. Le processus d'écriture s'est poursuivi pendant le tournage et a été un processus de simplification. Comment simplifier quelque chose pour devancer le calendrier, la lumière ou les niveaux d'énergie décroissants de l'équipe ? La réécriture la plus importante intervient toujours au moment du montage, lorsque le scénario est jeté et qu'un nouveau film est construit à partir de ce qui a été capturé sur le négatif du tournage. La fin d'Enys Men est très différente de ce qui était écrit sur le papier ou de ce qui a été tourné sur place. Le montage change toujours tout.
Comment avez-vous choisi vos acteurs ? Sur quelle base ?
Comme je l'ai déjà dit, je tenais à travailler avec la même petite équipe créative que pour Bait, et cela s'étendait à la distribution. Après le succès de Bait, j'ai été contacté par de nombreux acteurs qui ont exprimé leur intérêt pour une collaboration mais, et cela m'a pris un peu de temps pour m'en rendre compte, il m'est apparu clairement que j'avais écrit le rôle principal de La Volontaire pour Mary Woodvine, qui avait joué dans Bait. Une fois ce rôle distribué, il m'a semblé évident de confier le rôle secondaire du Passeur à Edward Rowe (qui tenait le rôle principal dans Bait) aux côtés de Mary. Ce sont des amis très proches et ils travaillent brillamment ensemble. Ils comprennent vraiment ce que l'autre représente et complètent leur style d'interprétation et leur approche. Je savais que la continuité et la familiarité m'aideraient vraiment, surtout que j'explorais un nouveau genre. John Woodvine (le père de Mary) est bien connu pour Le loup-garou de Londres, c'était donc un bon rappel. C'était un honneur et un plaisir d'avoir John sur le plateau. Nous avons tourné ses scènes le dernier jour des prises de vue principales et cela a été très utile pour que tout le monde reste concentré jusqu'au moment où nous avons terminé le tournage.
Vous faites aussi l'image, le son et les décors. Vous êtes une réputé pour avoir mis au point méthode de travail particulière. Vous pouvez nous la raconter ?
Je suis généralement le directeur de la photographie sur mes films mais je travaille en étroite collaboration avec Colin Holt qui éclaire tout pour moi. Nous partageons une carte de titre car c'est bien plus qu'une relation traditionnelle directeur de la photographie/éclairagiste. Colin est indispensable à la façon dont j'aime travailler. J'ai également deux concepteurs de production brillants et pleins de ressources, Joe Gray et Mae Voogd, qui créent des mondes étonnants avec les moyens les plus légers. J'essaie de garder tout aussi simple que possible. Je tourne avec une caméra Bolex H16 qui est réglée comme une horloge et fonctionne pendant un peu moins de 30 secondes pour chaque prise. Cela ajoute une pression très utile. J'essaie de ne pas déplacer la caméra, sauf si c'est pour une très bonne raison, et même dans ce cas, je me contente de faire des panoramiques et des inclinaisons plutôt que de suivre l'action. J'ai cependant beaucoup utilisé un vieux zoom sur ce film car je voulais évoquer l'esprit des films d'horreur des années 1970. Je filme toujours en muet et je n'enregistre aucun son. Je fais cela pour deux raisons. Premièrement, cela nous permet d'être rapides. Nous n'avons pas besoin de demander le silence. Nous pouvions créer le monde d'une île inhabitée alors que toutes sortes de bruits de civilisation se déroulaient autour de nous. Deuxièmement, j'aime aborder la conception sonore comme une toile vierge. Je n'ai pas à réparer d'enregistrements de lieux et je n'ajoute que ce dont j'ai besoin. Je peux commencer à abstraire le paysage sonore dès le départ. Le fait de réenregistrer les dialogues en studio me permet de les réécrire si je le souhaite, et permet également aux acteurs de modifier leur jeu, en changeant subtilement l'intonation ou l'accentuation - ces changements qui me semblent si importants lorsqu'on travaille avec un texte minimal. Je travaille également sur la partition musicale en même temps que la conception sonore et l'enregistrement des dialogues, et je modifie le montage de l'image au fur et à mesure. J'aime que la post-production se fasse en même temps, afin que tous les éléments puissent réagir les uns avec les autres. Rien n'est verrouillé tant que tout n'est pas verrouillé.
Je suis généralement le directeur de la photographie sur mes films mais je travaille en étroite collaboration avec Colin Holt qui éclaire tout pour moi. Nous partageons une carte de titre car c'est bien plus qu'une relation traditionnelle directeur de la photographie/éclairagiste. Colin est indispensable à la façon dont j'aime travailler. J'ai également deux concepteurs de production brillants et pleins de ressources, Joe Gray et Mae Voogd, qui créent des mondes étonnants avec les moyens les plus légers. J'essaie de garder tout aussi simple que possible. Je tourne avec une caméra Bolex H16 qui est réglée comme une horloge et fonctionne pendant un peu moins de 30 secondes pour chaque prise. Cela ajoute une pression très utile. J'essaie de ne pas déplacer la caméra, sauf si c'est pour une très bonne raison, et même dans ce cas, je me contente de faire des panoramiques et des inclinaisons plutôt que de suivre l'action. J'ai cependant beaucoup utilisé un vieux zoom sur ce film car je voulais évoquer l'esprit des films d'horreur des années 1970. Je filme toujours en muet et je n'enregistre aucun son. Je fais cela pour deux raisons. Premièrement, cela nous permet d'être rapides. Nous n'avons pas besoin de demander le silence. Nous pouvions créer le monde d'une île inhabitée alors que toutes sortes de bruits de civilisation se déroulaient autour de nous. Deuxièmement, j'aime aborder la conception sonore comme une toile vierge. Je n'ai pas à réparer d'enregistrements de lieux et je n'ajoute que ce dont j'ai besoin. Je peux commencer à abstraire le paysage sonore dès le départ. Le fait de réenregistrer les dialogues en studio me permet de les réécrire si je le souhaite, et permet également aux acteurs de modifier leur jeu, en changeant subtilement l'intonation ou l'accentuation - ces changements qui me semblent si importants lorsqu'on travaille avec un texte minimal. Je travaille également sur la partition musicale en même temps que la conception sonore et l'enregistrement des dialogues, et je modifie le montage de l'image au fur et à mesure. J'aime que la post-production se fasse en même temps, afin que tous les éléments puissent réagir les uns avec les autres. Rien n'est verrouillé tant que tout n'est pas verrouillé.
L'utilisation de la langue cornique est-elle importante ?
Kernewek, la langue cornique est une langue sœur du breton et du gallois, et une cousine du gaélique irlandais, écossais et mannois. Au cœur de Enys Men (le titre signifie Stone Island en cornique) se trouve la chanson "Kan Me" en langue cornique que nous avons demandé à Gwenno, musicienne et artiste galloise et cornique, d'écrire. Une chanson de son précédent album en langue cornique, Le Kov, est jouée en arrière-plan d'une scène de pub dans Bait. Le cornique est important dans cette œuvre car c'est "agan taves" (notre langue), la langue de ce lieu, que nous identifions comme notre foyer. Il est tout aussi important que la flore et la faune lorsqu'il s'agit de faire comprendre ce qu'est la Cornouailles. C’est un marqueur essentiel du patrimoine culturel immatériel et, ces dernières années, l’utilisation et la sensibilisation au kernewek, la langue cornique, se sont vraiment développées. La régénération de la langue et le développement d'une cinématographie dans les Cornouailles sont culturellement liés depuis quelques décennies.
Kernewek, la langue cornique est une langue sœur du breton et du gallois, et une cousine du gaélique irlandais, écossais et mannois. Au cœur de Enys Men (le titre signifie Stone Island en cornique) se trouve la chanson "Kan Me" en langue cornique que nous avons demandé à Gwenno, musicienne et artiste galloise et cornique, d'écrire. Une chanson de son précédent album en langue cornique, Le Kov, est jouée en arrière-plan d'une scène de pub dans Bait. Le cornique est important dans cette œuvre car c'est "agan taves" (notre langue), la langue de ce lieu, que nous identifions comme notre foyer. Il est tout aussi important que la flore et la faune lorsqu'il s'agit de faire comprendre ce qu'est la Cornouailles. C’est un marqueur essentiel du patrimoine culturel immatériel et, ces dernières années, l’utilisation et la sensibilisation au kernewek, la langue cornique, se sont vraiment développées. La régénération de la langue et le développement d'une cinématographie dans les Cornouailles sont culturellement liés depuis quelques décennies.
Quand et où avez-vous tourné ?
Nous avons tourné pendant 21 jours en mars et avril 2021 à West Penwith, la péninsule située à l'extrême ouest de la Cornouailles.
Nous avons tourné pendant 21 jours en mars et avril 2021 à West Penwith, la péninsule située à l'extrême ouest de la Cornouailles.
Cherchiez-vous un décor spécifique, une atmosphère particulière ?
Nous devions créer un lieu composite capable de convaincre comme une île, et la péninsule de West Penwith, où je vis avec la plupart des acteurs et de l'équipe, est pratiquement une île. Elle le sera certainement lorsque le niveau de la mer aura augmenté. C'est un paysage de landes accidentées sans arbres et de falaises imposantes, que j'ai l'impression de bien connaître. Je tiens toujours à dépeindre ce paysage dans toute sa morne dignité. Il est trop souvent romancé et mal représenté à l'écran. Ce n'est pas pas une idylle accueillante. Ce n'est pas un lieu de vacances. Ce n'est pas une image sur une carte postale. C'est un endroit dur et impitoyable. Un lieu ancien. C'est une terre imprégnée d'histoire et pourtant largement vierge, et c'est ce que j'étais déterminé à rendre fidèlement à l'écran. J'essaie d'éviter de dire que le lieu est un personnage, mais dans le cas d'Enys Men, je voulais que l'île soit sensible. Presque.
Nous devions créer un lieu composite capable de convaincre comme une île, et la péninsule de West Penwith, où je vis avec la plupart des acteurs et de l'équipe, est pratiquement une île. Elle le sera certainement lorsque le niveau de la mer aura augmenté. C'est un paysage de landes accidentées sans arbres et de falaises imposantes, que j'ai l'impression de bien connaître. Je tiens toujours à dépeindre ce paysage dans toute sa morne dignité. Il est trop souvent romancé et mal représenté à l'écran. Ce n'est pas pas une idylle accueillante. Ce n'est pas un lieu de vacances. Ce n'est pas une image sur une carte postale. C'est un endroit dur et impitoyable. Un lieu ancien. C'est une terre imprégnée d'histoire et pourtant largement vierge, et c'est ce que j'étais déterminé à rendre fidèlement à l'écran. J'essaie d'éviter de dire que le lieu est un personnage, mais dans le cas d'Enys Men, je voulais que l'île soit sensible. Presque.
Des difficultés particulières ? Anecdotes du tournage ?
En plus d'être la raison pour laquelle la production a été retardée d'un an, le tournage du film a été compliqué par le Covid. Je ne l'ai découvert qu'après coup, car Denzil (le producteur) est si brillant pour me protéger de ce qui pourrait m'inquiéter. Une complication logistique a nécessité une réécriture rapide qui s'est avérée bénéfique pour le film. Sur Bait, nous avions un éclairage très limité. Colin Holt a éclairé ce film avec trois ou quatre lampes et un kit qui tenait dans sa petite VW. Sur Enys Men, nous avions plus d'éclairage, ce qui nécessitait une camionnette. Le matin du pré-light, le van s'est embourbé dans la boue sur l'un de nos sites les plus éloignés. J'ai pris cela comme un signe pour me rappeler de garder les choses aussi simples que possible. Je suis très superstitieux et je brûle un peu d'argent à côté de la caméra au début de chaque journée en guise d'offrande aux dieux du cinéma. En raison de la période de l'année et du manque d'imprévus dans notre programme, nous étions très conscients de ce que la météo pouvait nous réserver, et j'ai donc cramé un peu plus d'argent que d'habitude la plupart des jours. Nous avons été battus par le vent, mais le temps est resté sec tous les jours de tournage où nous étions à l'extérieur, ce qui tient du miracle. Le seul jour où nous étions dans le studio, il a plu, grêlé et même neigé.
En plus d'être la raison pour laquelle la production a été retardée d'un an, le tournage du film a été compliqué par le Covid. Je ne l'ai découvert qu'après coup, car Denzil (le producteur) est si brillant pour me protéger de ce qui pourrait m'inquiéter. Une complication logistique a nécessité une réécriture rapide qui s'est avérée bénéfique pour le film. Sur Bait, nous avions un éclairage très limité. Colin Holt a éclairé ce film avec trois ou quatre lampes et un kit qui tenait dans sa petite VW. Sur Enys Men, nous avions plus d'éclairage, ce qui nécessitait une camionnette. Le matin du pré-light, le van s'est embourbé dans la boue sur l'un de nos sites les plus éloignés. J'ai pris cela comme un signe pour me rappeler de garder les choses aussi simples que possible. Je suis très superstitieux et je brûle un peu d'argent à côté de la caméra au début de chaque journée en guise d'offrande aux dieux du cinéma. En raison de la période de l'année et du manque d'imprévus dans notre programme, nous étions très conscients de ce que la météo pouvait nous réserver, et j'ai donc cramé un peu plus d'argent que d'habitude la plupart des jours. Nous avons été battus par le vent, mais le temps est resté sec tous les jours de tournage où nous étions à l'extérieur, ce qui tient du miracle. Le seul jour où nous étions dans le studio, il a plu, grêlé et même neigé.
Quand votre film a-t-il été terminé ?
J'ai terminé mon travail sur le film à la fin de l'année 2021, mais comme c'est le cas pour tous les films, il restait encore beaucoup à faire en ce qui concerne tous les éléments techniques à livrer, dont je n'ai heureusement rien à faire.
J'ai terminé mon travail sur le film à la fin de l'année 2021, mais comme c'est le cas pour tous les films, il restait encore beaucoup à faire en ce qui concerne tous les éléments techniques à livrer, dont je n'ai heureusement rien à faire.
Qu'attendez-vous de cette sélection à la Quinzaine des réalisateurs ?
J'essaie de ne pas avoir trop d'attentes. C'est toujours l'endroit que je choisirais pour présenter un film en avant-première et comme tant de mes héros y ont présenté leur travail au fil des ans, il est difficile de ne pas être enthousiaste, mais cela s'accompagne d'une certaine nervosité. Marcher dans les pas de Bresson, Angelopoulos, Herzog, Peter Watkins, Chantal Akerman, Barbara Loden, Chris Petit, etc. est assez intimidant. Mais j'adore visiter la France et ce sera particulièrement agréable d'être à Cannes pour quelques jours, car je ne suis vraiment allé nulle part depuis deux ans.
J'essaie de ne pas avoir trop d'attentes. C'est toujours l'endroit que je choisirais pour présenter un film en avant-première et comme tant de mes héros y ont présenté leur travail au fil des ans, il est difficile de ne pas être enthousiaste, mais cela s'accompagne d'une certaine nervosité. Marcher dans les pas de Bresson, Angelopoulos, Herzog, Peter Watkins, Chantal Akerman, Barbara Loden, Chris Petit, etc. est assez intimidant. Mais j'adore visiter la France et ce sera particulièrement agréable d'être à Cannes pour quelques jours, car je ne suis vraiment allé nulle part depuis deux ans.
Recueilli par Patrice Carré
© crédit photo : DE
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